Andy Warhol

ANDY WARHOL

Andy Warhol (1928-1987), un artista que a lo largo de toda su vida afirmó provocativamente que él solo existía en la superficie, que era solo una personalidad desprovista de historia y emociones. Ocultándose detrás de medias verdades y mentiras manifiestas, Andy Warhol decidió llevar una mascara toda su vida.
El mundo entero conoce sus famosas pinturas de las latas de sopas Campbell´s y los retratos múltiples de Marilyn Monroe, su cara es su firma y le ha convertido en una estrella, es uno de los artistas más famosos del siglo XX y sin embargo, muy poca gente conoce a la persona que se ocultaba detrás del artista. Si nos remontamos a la infancia del hombre conocido entonces como Andy Warhola, descubrimos un ser complejo, influenciado por las tradiciones familiares, la cultura popular y la religión.

Con esa diversidad de influencias tan profundamente arraigadas en él, creó un mundo único, un mundo artístico y filosófico, pero también frío. Su trabajo perturba por su simplicidad y está en confrontación directa con la turbulencia de su época.

Los padres de Andy se instalaron en un barrio pobre de Pittsburg a principios del siglo pasado, eran inmigrantes eslovacos que fueron en busca de trabajo, atraídos por esa tierra de libertad. Pittsburg, era la capital de las industrias del carbón y el acero, y sus chimeneas formaban un imponente paisaje industrial, este entorno aterradoramente moderno, se convirtió en el símbolo de un país destinado a construir el nuevo siglo. Su padre era un trabajador incansable y debido a ello, pasaba mucho tiempo fuera de casa. Los padres de Andy respondían a la pobreza buscando consuelo en la espiritualidad. Cada domingo el pequeño Andy acompañaba a sus padres y hermanos a la Iglesia bizantina de San Juan Crisóstomo, una isla incongruente en medio de un mar gris, esta iglesia quedó grabada en la imaginación del pequeño Andy, ya que solo al entrar ya recibía una poderosa inyección de estímulo, sus ojos se sentían fascinados por los preciosos iconos, las imágenes doradas, la cúpula, las vidrieras policromadas, con el tiempo llegó a bromear con los iconos, diciendo que sería maravilloso poner en su lugar una imagen de Marilyn Monroe, treinta años después, pintó su cuadro más famoso, Marilyn Monroe dorada, basado en aquellos iconos religiosos, en él, la actriz queda inmortalizada como una santa sobre un fondo dorado, con sus facciones simplificadas por bloques de color.


Andy era un niño de constitución débil, y pronto empezó a padecer una enfermedad nerviosa conocida como «el baile de san vito», no podía controlar sus movimientos o incluso el habla, la enfermedad le mantuvo alejado del colegio durante mucho tiempo, él estaba encantado y pasaba los días dibujando influenciado por su madre, ya que esta tenía una sensibilidad artística excepcional, ella, por ejemplo, utilizaba latas de sopa y papel maché para hacer flores y luego venderlas, tenía un sentido artístico que contagió a Andy ostensiblemente. La enfermedad le mantuvo alejado de otros adolescentes, ya que incluso se burlaban de él, al estar sobreprotegido por su madre, quedando aislado, adquiriendo desde muy temprana edad el hábito de la observación. No obstante, se volvió muy tímido y extremadamente reservado. Había pues, un vinculo entre el decisivo episodio de su infancia y su relación distante con las cosas, era como si estuviera viendo la vida a través de una ventana de cristal.

A los 7 años, y como única forma de escapar de su perturbadora realidad, se volvió un apasionado del cine, algo habitual en los años treinta, cuando los grandes estudios estaban en su apogeo. Para los niños de aquella generación el cine abría una ventana al mundo exterior, en ese sentido, Hollywood tenía la capacidad de disparar la imaginación de la gente, obviamente, para cualquier adolescente en la situación de Andy, la visión de otro mundo y de cosas que nunca había creído posibles, de repente apareciendo en pantalla, resultaba mágico.

Los padres de Andy, se dieron cuenta de las capacidades de su hijo, y a pesar de sus modestos salarios, pudieron, gracias a una beca, matricularlo en clases de dibujo. El padre sabía que Andy tenía algo especial, y por ello ahorró para que este pudiera ir a la universidad, e incluso llegó a predecir que algún día se sentirían orgullosos de él. El padre de Andy, no vivió para ver el éxito de su hijo, en 1942 murió repentinamente, Andy tenía 14 años, profundamente afectado por la muerte de su padre, se negó a asistir a su funeral. Tres años después cumplió con las expectativas de su padre y fue admitido en la universidad, allí hizo cursos en artes aplicadas, diseño y artes gráficas. Pronto comenzó a atraer la atención a si mismo y provocó su primer escándalo con un auto retrato titulado: ¨mi vieja me vio mi cara, pero yo puedo hurgarme mi nariz¨, estuvieron a punto de expulsarle, pero se aplicó y logró acabar obteniendo su diploma. Con 21 años y a pesar de sentirse angustiado por tener que separarse de su madre, Andy comprendió que si quería vivir de su arte, debía trasladarse, se dirigió entonces a la nueva capital del arte y la vanguardia, la ciudad de Nueva York, con tan solo 200 dólares en su bolsillo.

¨La idea no es vivir para siempre, la idea es crear algo que si lo haga”.

Una vez allí se recorría todas las redacciones de revistas de moda con una carpeta llena de dibujos, todo el mundo quedaba seducido de forma instantánea, por su estilo y su encanto aniñado, sedujo a las editoras de Vogue, Harper´s Bazar y de otras importantes revistas de moda como Glamour, que le encargó la producción de una serie de dibujos, estos causaron sensación y empezaron a lloverle contratos publicitarios. Fue en ese periodo cuando decidió eliminar la ultima letra de su apellido, y empezó a firmar sus trabajos con el nombre de Andy Warhol. Al poco tiempo su madre se trasladó a vivir con él, ella le proporcionaba, además de cuidar de él, una especie de seguridad que nadie más podía darle.

Durante los años 50 el trabajo de Andy Warhol, fue de la mano con el declive de la sociedad de consumo, con una lista de premios en su haber y admirado por sus colegas de profesión, era ya un hombre rico, había logrado dar un vuelco a su vida.

“En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos. Todo el mundo debería tener derecho a quince minutos de gloria”.

En 1961 compró un edificio de 4 plantas donde se dedicó a pintar, había hecho fortuna, de manera que se podía permitir el lujo de rechazar trabajos publicitarios y dedicarse a su propio trabajo. Andy condensaba todas sus influencias en sus pinturas, contenían todo lo que había formado su lucida visión de la época, el signo del dólar y la lata de sopa Campbell, eran casi iconos religiosos de la vida cotidiana. Uno de los principios de Andy era que cualquier cosa podía ser arte, sin importar el tema ni el medio.

En 1962, descubrió una técnica de impresión que le permitía reproducir sus trabajos infinitamente sobre el lienzo, el estampado serigráfico era una forma provocativa de convertir la creatividad en producción. Para el mundo del arte tradicional, puede que resultara impactante, pero abrió puertas en algunos círculos urbanos y decadentes, fue entonces cuando conoció a Emile de Antonio, un agente artístico famosos por su intuición, aquello representó un punto de inflexión en la carrera de Warhol como artista. Su propuesta fue montar una línea de producción para concentrarse en la cantidad y reproducir en masa, una sola imagen. ¿Que efecto produciría ser inundado con imágenes? Cuanto más miramos algo, menos sentido tiene para nosotros. En 1962, las pinturas de las latas Campbell llegaron a ser calificadas como la Monalisa de la edad moderna, Warhol entendió que el arte pop, era arte factual, el arte del presente. Su trabajo profería afirmaciones radicales, el consumismo y el negocio del espectáculo eran las nuevas religiones. Aquello no era un proyecto de marketing, era un auténtico objetivo artístico para inventar una nueva forma. A finales del año 1962, había nacido el arte pop americano.
Para Warhol, testigo de la imparable expansión de los medios de comunicación, estaba claro que la explotación de la muerte tenía un matiz insoportable y crucial al mismo tiempo, esa era una de las características del mundo que le había tocado vivir, al igual que la belleza etérea de Marilyn, ambas cosas iban de la mano, cabe recordar que decidió pintarla el día que se enteró de su suicidio. Muertes repentinas de celebridades, ataques racistas, accidentes de coche, el arte de Andy Warhol es cualquier cosa menos inofensivo, queriendo hacer del desastre algo bello. Junto al poeta Gerard Malanga, Warhol publicó ¨Death and dissasters thermofaxes¨, la obra fue creada a partir de recortes que Warhol tomó de la edición del Daily Mirror del 4 de junio de 1962 que narraba la tragedia aérea que había acabado con la muerte de sus 129 pasajeros. América era una tragedia, carne de su carne. A aquellas series Warhol las llamó «Death in América». El dúo Malanga / Warhol funcionaba como un engranaje extraordinario. Malanga ponía los textos y Warhol, por su parte, las imágenes y collages. Había nacido la «muerte chic». La muerte había encontrado su hueco en el interior del pop. En enero de 1964, invirtieron en una fábrica en desuso, que cubrieron con pintura de aluminio y plata. Había nacido la mítica ¨Fábrica¨. Era un lugar para pasar el rato y conocer gente, un lugar de experimentación espontanea. Muy pronto se desarrolló un estilo de vida híbrido y moderno. Trabajo, paraísos artificiales y fiestas que duraban toda la noche, formaban un todo único. Andy Warhol creó a sus propias super estrellas, aquellos hombres, mujeres y travestis, eran modelos y musas hechos a imagen y semejanza de la fábrica de sueños de Hollywood de su infancia. El lugar atrajo como un imán a los neoyorquinos de moda y Andy permanecía siempre un poco distante, estaba a la vez en el centro de las cosas y en un lugar apartado, como un voyeur.

“Si quieres saber todo sobre Andy Warhol, basta con ver mis pinturas y películas y allí estoy. No hay nada más.”

En 1965 Andy Warhol anunció que iba a dejar atrás la pintura para consagrarse al cine. Era un estilo de cine que se alejaba de las formas narrativas convencionales del cine de masas en Hollywood hacia una forma de cine más poética, hacia una forma abstracta. Su película más radical fue ¨Empire¨, era una foto estática del Empire State proyectada a cámara lenta, sin cambio de planos y que duraba 8 horas, no gustó, pero revolucionó el cine simplemente incidiendo en el tema del tiempo en su continuidad, y fue importante que alguien lo hiciera. Filmó cerca de 60 películas en 5 años, experimentó con el cine en la misma escala industrial que había hecho con sus pinturas, soñaba con dirigir sus propios estudios de vanguardia y quería ver su nombre asociado con alguna banda de Rock. En 1965 fue a un concierto con Gerard Malanga, actuaba The Velvet Urderground, formada por Lou Reed y John Cale, Warhol se sintió inmediatamente seducido por su estilo crudo y poético, era una especie de lamento erótico con letras descarnadas, al conocer a Lou Reed, hubo entre ellos una conexión especial, ambos estaban explorando nuevos territorios y encajaba muy bien con el concepto de Andy de mezclar música, danza y películas para crear una gran actuación artística, así que le ofreció sin dudarlo su fábrica para ensayar. The Velvet se convirtió en parte de la fábrica y le confirió una nueva identidad más rockera y underground, un movimiento punk antes de su tiempo, fue una época histérica con más y más gente acudiendo a la fábrica.

En primavera, el edificio iba a ser demolido, y tuvieron que mudarse a uno nuevo, la nueva Fábrica, ubicada en el sur de Manhattan iba a ser el escenario de un episodio trágico. Uno de aquellos personajes extraños y maravillosos que pasaban por la Fábrica, era Velerie Solanas, que se declaraba abiertamente gay, de hecho había publicado un manifiesto feminista radical llamado S.C.U.M. , en el que abogaba por la castración de los hombres. Un día ofreció a Andy un guión cinematográfico titulado ¨por el culo¨, a Warhol no le gustó y le dijo que había extraviado el guión. La tarde del 3 de junio de 1968 Valerie se volvió a presentar en la nueva fábrica, mientras Andy hablaba por teléfono ella sacó un arma y le disparó, la bala le perforó varios órganos y perdió mucha sangre, pese a ello Andy sobrevivió después de 5 horas de operaciones. Fue un punto de inflexión en su carrera y tanto su trabajo como su personalidad cambiaron, por un lado se volvió lógicamente más cauteloso y su creatividad también se vio negativamente afectada. En los años posteriores, Andy estaba temeroso y su miedo arraigó profundamente en él, quedó tan traumatizado que hizo borrón y cuenta nueva, sus antiguos compañeros abandonaron la Fábrica, no más super estrellas ni personajes marginales. Al renunciar a esa comunidad que le había inspirado durante tantos años, perdió su creatividad.
Para Andy, los años 70 representaban una década vacía, por eso su trabajo en esos años giró entorno a eso, el vacío. En mayo del 1969, la portada de la revista Esquire, mostraba a un Andy Warhol ahogándose en una lata de Sopa Campbell, el titular era inequívoco, ¨El declive final y colapso absoluto de la vanguardia americana¨.
En 1970 Andy siguió creando un vacío a su alrededor y envió a su madre a Pittsburg a vivir con sus hermanos, esta murió el 22 de noviembre de 1972, y al igual que 30 años antes, a la muerte de su padre, Andy no acudió al funeral y no habló con nadie de la muerte de su madre.

De sus temores nació una nueva Fábrica, llamada La Oficina, ahora neuróticamente obsesionado con la muerte, buscó refugio en la práctica de registrarlo todo compulsívamente, su grabadora y su cámara Polaroid estaban siempre a su lado, cambió ocultándose detrás de su visor como una forma de observar sin ser visto, de estar presente sin estar realmente allí, documentar su tiempo… se había convertido en parte de su arte.

Andy cambió de mundo y de ambiente y se fue moviendo gradualmente hacia el mundo del dinero, fue un cambio drástico en el que dejó de hacer cine para incluso hacer programas entrevistando a gente.

“Nunca leo, veo las imágenes”.

1971 fue el comienzo de los retratos, su agente y confidente junto a su galerista, tuvieron la lucrativa idea de realizar retratos por encargo, Andy comprendió enseguida la importancia artística de aquello, puesto que a lo largo de la historia, en las cortes europeas, la gente acaudalada siempre había encargado retratos.
Durante la década de los 70, Warhol vendió su talento, Mick Jagger, John Lennon, Grace Jones y muchas otras estrellas le encargaron retratos, produjo entre 50 y 100 al año por sumas astronómicas, su obra no tenía un carácter personal ni político, eran simples producciones en serie, retratos que llegaron a eclipsar su regreso a un trabajo más oscuro e íntimo.

En 1976 Warhol hizo Calaveras, una serigrafía de 60 calaveras y como si resucitara de entre los muertos, parecía quitarse la máscara y enfrentarse a su público revelando sus obsesiones místicas.
En el 78 produjo su obra ¨Sombras¨, eran sombras abstractas que se reproducían hasta el infinito haciendo vislumbrar al público, sus sueños más oscuros y alucinatorios, su trabajo se estaba volviendo más íntimo y espiritual. Andy Warhol parecía sentir la llegada de su muerte, sus obras eran en ese momento más abiertas y religiosas.

En el año 1987 creó su obra final, una variación de la última cena de Leonardo da Vinci, fue esta, una manera de comunicar al mundo su religiosidad. En ese momento, y gracias a su carrera exitosa, podía hacer algo que había querido hacer desde hacía mucho tiempo, usar el tema del cristianismo sin complejos, hizo explícito lo que estaba implícito en algunas de sus pinturas de los años 60.
El 22 de febrero de 1987 con 58 años, muere de un ataque al corazón después de una operación de vesícula biliar. En Nueva York 2000 personas asistieron a su homenaje, y en sus discursos se pudieron vislumbrar su profunda religiosidad y facetas poco conocidas de su personalidad que siempre había mantenido ocultas.

Otras citas:

“Comprar es mucho más americano que pensar, y yo soy el colmo de lo americano”.
“El arte es lo que dejas salir”.
“No creo en la muerte porque uno no está presente para saber que, en efecto, ha ocurrido”.
“La inspiración es la televisión”.
“Me temo que si uno fija su atención en una cosa el tiempo suficiente, pierde todo su significado”.
“El arte comercial es mucho mejor que el arte por el arte”.

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